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Un artista comienza con una superficie bidimensional; puede ser una pared, un lienzo, una tabla, un papel o un pavimento. Mediante el uso de la pintura u otros medios, debe hacer que el espectador entre en su mundo y comparta su visión. Pero el mundo real no es bidimensional y el artista no puede crear un mundo tridimensional en la superficie. ¿Cómo sortear este problema?

La respuesta es la ilusión: para representar el mundo tridimensional en la superficie bidimensional, el artista tiene que utilizar sistemas de ilusión que creen la impresión de espacio, de profundidad y de movimiento.

Los artistas del pavimento 3D Joe y Max (a la derecha) son maestros de este tipo de trucos de perspectiva, creando arte en el pavimento (y en el suelo) que, cuando se mira desde un determinado punto de vista, da una ilusión tridimensional sorprendente y visualmente confusa.

El sistema de perspectiva que hoy damos por sentado es un descubrimiento relativamente reciente en la historia del arte. Antes del siglo XIV apenas se intentaba representar de forma realista el mundo tridimensional en el arte de la forma en que estamos acostumbrados a verlo.

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Cuando llegó el siglo XX, los artistas tenían todas las razones para creer que estaban entrando en una era moderna totalmente nueva y única. Filósofos como Henri Bergson estaban ampliando y colapsando nuestro concepto del tiempo, y las teorías de Sigmund Freud estaban abriendo nuevos caminos a segmentos inexplorados de la mente humana. La revolución industrial del siglo XIX trajo consigo medios de transporte modernos como el automóvil, el avión y el ascensor eléctrico, que fueron de la mano de la construcción de acero y vidrio para dar a luz al rascacielos, el emblema de la ciudad moderna. La vida nunca había sido tan rápida.

Este momento embriagador, evidenciado tanto en la cultura intelectual como en la popular, llevó a los artistas a creer que formaban parte de un proyecto para inventar un nuevo lenguaje visual para el mundo moderno y, al mismo tiempo, cuestionar las ideas preexistentes sobre lo que el arte podía y debía ser. A menudo, esta postura se radicalizó aún más por los acontecimientos históricos y la invasión de la afiliación política. En Rusia, la Revolución Soviética de 1917 cambió el tenor y la motivación de una vanguardia ya naciente. En México, la Revolución de 1910-20 fue el catalizador de un movimiento totalmente nuevo. En Alemania, la Revolución de Weimar de 1918 abrió un espacio ideológico para la formación de la Bauhaus. La Gran Depresión en Estados Unidos disminuyó la capacidad adquisitiva de ciertos mecenas y creó nuevas condiciones para el arte en la década de 1930. Y, por supuesto, la Primera Guerra Mundial (1914-8) y la Segunda Guerra Mundial (1939-45) tuvieron repercusiones asombrosas para el arte y la vida en todo el mundo. Dado que nuestra conferencia sobre el Arte desde 1950 (Parte I) genera en gran medida en la esfera posterior a la Segunda Guerra Mundial, cronológicamente, esta conferencia termina más cerca de 1945.

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Historia de la pinturaEn la cueva de Lubang Jeriji Saléh, en Kalimantan (Indonesia), se ha datado una de las pinturas figurativas más antiguas del mundo, una representación de un toro, con una antigüedad de 40.000 años.Johannes Vermeer, c. 1660

La historia de la pintura se remonta a los artefactos de los seres humanos prehistóricos y abarca todas las culturas. Representa una tradición continua, aunque periódicamente interrumpida, desde la Antigüedad. La historia de la pintura es un río de creatividad que atraviesa culturas, continentes y milenios, y que continúa en el siglo XXI[1]. Hasta principios del siglo XX, la pintura se basaba principalmente en motivos representativos, religiosos y clásicos, pero a partir de entonces se impusieron los enfoques puramente abstractos y conceptuales.

La evolución de la pintura oriental es históricamente paralela a la de la pintura occidental, en general, unos siglos antes[2]: el arte africano, el arte judío, el arte islámico, el arte indonesio,[3] el arte chino y el arte japonés[4] tuvieron una influencia significativa en el arte occidental, y viceversa[5].

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Saber escribir un análisis formal de una obra de arte es una habilidad fundamental que se aprende en una clase de nivel de apreciación del arte. Los estudiantes de las clases de historia del arte y de nivel superior desarrollan aún más esta habilidad. Utilice esta hoja como guía cuando escriba un trabajo de análisis formal.Tenga en cuenta lo siguiente cuando analice una obra de arte. No todo se aplica a todas las obras de arte, ni siempre es útil considerar las cosas en el orden indicado. En cualquier análisis, tenga en cuenta lo siguiente: ¿Cómo y por qué es una obra de arte significativa?

Describa la obra en pocas frases. ¿Qué aspecto tiene? ¿Es una representación de algo? Diga lo que se muestra. ¿Es una abstracción de algo? Diga cuál es el tema y qué aspectos se destacan. ¿Es una obra no objetiva? Diga qué elementos predominan. Esta sección no es todavía un análisis de la obra, aunque algunos términos utilizados en la Parte III podrían emplearse aquí. Esta sección consiste principalmente en unas cuantas frases para dar al lector una idea de cómo es la obra.

Esta es la parte del trabajo en la que se va más allá de la descripción y se ofrece una conclusión y la propia opinión informada sobre la obra. Cualquier afirmación que haga sobre la obra debe basarse en el análisis de la Parte III anterior.