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Helen Frankenthaler llegó al estudio a las dos de la tarde, gimiendo y quejándose. Acababa de alquilar este espacio de trabajo en la calle 23 Oeste, a pocas manzanas de su apartamento de London Terrace. El estudio era un tranquilo loft con tragaluz en la parte trasera del edificio. Un lienzo yacía en el suelo ante ella. Inspirada por el arte de Jackson Pollock, cuyas pinturas por goteo había conocido unos dos años antes, se puso a trabajar.

El lienzo que tenía a sus pies estaba sin imprimar. No se había molestado en aplicar la imprimación, una mezcla de plomo blanco Dutch Boy y cola que, al igual que otros artistas, solía utilizar como base para evitar que los colores se derramaran directamente sobre el lienzo. «Puede que estuviera muy impaciente por pintar», recordaba años después, y en una combinación de «impaciencia, pereza e innovación decidió que por qué no ponerlo directamente». Diluyó sus pinturas con aguarrás, con la curiosidad de ver cómo se empapaban y manchaban el gran lienzo vacío -siete por tres metros- que tenía debajo.

Su primer movimiento no fue pintar, sino dibujar. Hizo unas cuantas líneas de carbón agrupadas en el centro de la gran hoja. Las líneas sugerían formas, pero sólo como una armadura para lo que seguía. A continuación, aplicó los colores diluidos en aguarrás, azul, rosa, salmón, rojo y verde espuma de mar, observando cómo se mezclaban y manchaban. El azul se desplaza hacia los lados a partir de un punto de apoyo central de rosa y rojo, jugando en torno al dibujo al carbón, que respeta e ignora a la vez. Después de tres horas, se detuvo y llamó a su compañero de estudio, el pintor Friedel Dzubas, para que le echara un vistazo. «La cuestión es, la cuestión es», dijo Dzubas con su acento alemán, tratando de encontrar las palabras.

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Pintar es algo que hago (no muy bien) y que realmente disfruto. Es la forma en que alivio mucho estrés y, aunque parezca una tontería, resuelvo muchos problemas. Creo que la meditación es algo que todo el mundo debería hacer, pero no es fácil ni práctico, así que desarrollé mi propia forma de meditación que hago mientras pinto. Lo que se hace es lo siguiente: despejar la mente y concentrarse en cada pequeño sonido que se oye. La meditación, en su forma más sencilla, consiste en bloquear el mundo y despejar la mente. Si lo único en lo que te concentras y piensas es en el sonido que hace el pincel contra el lienzo, o en la pintura que se mezcla, eso es lo único que pasará por tu cabeza. Siempre salgo de pintar con la sensación de tener la cabeza despejada.

La pintura puede tener muchos significados diferentes. Mi pintura, por ejemplo, representa mi ansiedad. Nunca me meto en un cuadro (salvo algunas excepciones) sabiendo lo que voy a pintar. Siempre pinto lo que me parece bien. Este es uno de mis tipos de arte favoritos; lo llamo «pintar desde la mente». En realidad es arte abstracto, pero cuando te das cuenta, el significado y las intenciones del arte

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«A veces pienso que lo peor es la ‘mundanidad’ actual de toda la escena [artística]. Es la cosa más engañosa, corruptora y pasajera, llena de pataleta y diversión pero que tiene tan poco que ver con lo que realmente es… Tiene que ver con nuestro tiempo, un pacto desesperado sobre el poder de la inmediatez. Pero cada vez me preocupa menos esto como tema. ¿Y qué? No es una amenaza». 4 de 8

«Sea cual sea el medio, existe la dificultad, el reto, la fascinación y la torpeza a menudo productiva de aprender un nuevo método: los maravillosos rompecabezas y problemas de la traducción de nuevos materiales». 6 de 8

«De vez en cuando, todo artista siente: ‘Nunca volveré a pintar’. La musa se ha ido por la ventana’. En 1985, apenas pinté durante tres meses, y fue agonizante. Miré reproducciones. Miré a Matisse. Miré a los viejos maestros. Miré el Quattrocento. Y me dije a mí mismo: «¡No te esfuerces! Si te esfuerzas demasiado por llegar a algo, casi lo alejas». 7 de 8

Imágenes de obras de arte 1965CañónLas características topográficas del paisaje sirvieron a menudo de inspiración para la imaginería abstracta de Frankenthaler. Con su brillante aguada roja que llena la mayor parte del lienzo, Cañón refleja el cambio en la práctica artística de Frankenthaler introducido varios años antes, cuando empezó a sustituir el óleo diluido en trementina por el acrílico aguado vertido en manchas y borrones más grandes. La suave luminosidad del cuadro evoca la descripción que el crítico de arte Nigel Gosling hizo en 1964 de la obra de Frankenthaler, escrita en relación con la exposición de la artista en una galería londinense ese año: «Si algún artista puede darnos ayuda y consuelo, Helen Frankenthaler puede hacerlo con sus grandes salpicaduras de color suave en enormes lienzos cuadrados. Son grandes pero no audaces, abstractos pero no vacíos o clínicos, libres pero ordenados, vivos pero intensamente relajados y pacíficos». Acrílico sobre lienzo – The Phillips Collection

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Helen Frankenthaler (1928-2011), cuya carrera abarcó seis décadas, ha sido reconocida durante mucho tiempo como una de las grandes artistas estadounidenses del siglo XX. Fue una de las eminencias de la segunda generación de pintores abstractos estadounidenses de la posguerra y se le atribuye un papel fundamental en la transición del expresionismo abstracto a la pintura del campo de color. Con su invención de la técnica de la mancha empapada, amplió las posibilidades de la pintura abstracta, al tiempo que hacía referencia a la figuración y al paisaje de forma única. Produjo una obra cuyo impacto en el arte contemporáneo ha sido profundo y sigue creciendo.

Frankenthaler nació el 12 de diciembre de 1928 y se crió en Nueva York. Asistió a la Dalton School, donde recibió sus primeras enseñanzas artísticas de Rufino Tamayo. En 1949 se graduó en el Bennington College de Vermont, donde fue alumna de Paul Feeley. Posteriormente estudió brevemente con Hans Hofmann.

La carrera profesional de Frankenthaler comenzó en 1950, cuando Adolph Gottlieb seleccionó su cuadro Beach (1950) para incluirlo en la exposición titulada Fifteen Unknowns: Selected by Artists of the Kootz Gallery. Su primera exposición individual se presentó en 1951, en la Galería Tibor de Nagy de Nueva York, y ese año también fue incluida en la histórica exposición de pinturas y esculturas de la 9ª.