la madonna de la sixtinapintura de rafael

La Madonna del Granduca de la Galería Pitti de Florencia muestra la influencia preeminente de Leonardo. Su sencilla composición es un prototipo de las futuras Madonnas del último periodo florentino de Rafael. Las figuras de la Virgen y el Niño emergen de un fondo oscuro (elemento evidentemente derivado de Leonardo), unidas por un dulce sentimiento que deriva en gran medida del gesto del Niño que, mientras mira hacia el espectador, se aprieta contra su Madre El cuadro perteneció al pintor florentino del siglo XVII, Carlo Dolci, y luego al Gran Duque Fernando III de Lorena, de quien deriva su nombre.

A pesar de que este cuadro está en parte modificado por la drástica restauración del siglo XIX, que incluyó el repintado del fondo y del vestido, sigue siendo una de las mejores creaciones de Rafael en su primera época, cuando, habiendo llegado a Florencia tras su primera formación con Perugino, conoció el arte florentino a principios del Cinquecento; y como se ve claramente en esta obra, quedó especialmente impresionado por la pintura de Leonardo. En la Madonna del Granduca, tanto las influencias peruginescas como las leonardescas son fusionadas y asimiladas por el joven artista en una maravillosa armonía que se extiende a toda la composición, desde el espaciado de las dos figuras en el espacio con ese sentido del ritmo fluido hasta la magia del color que se disuelve suavemente en una delicada sombra.

significado de madonna del granduca

Aquí podemos ver cómo, gracias a il Francia y Viti, llegó a Urbino algo de los estilos artísticos del norte de Italia, y precisamente en la época en que Rafael comenzaba su carrera artística. Todavía se desconocen los detalles de la formación de Rafael en Urbino. No está bien aclarado cómo llegó a conocer a il Francia, con quien sabemos que Rafael seguía frecuentando cuando ya estaba en la cima de su gloria. Sea como fuere, al principio Rafael dependía más de la escuela de il Francia que de cualquier otra; las figuras de sus primeros cuadros muestran una redondez mórbida y, al mismo tiempo, la fuerza característica que muestran las obras de las escuelas de pintura del norte de Italia. Precisamente esta redondez mórbida y la característica esencial de Rafael (su peligrosa y maravillosa habilidad técnica, que transformaba todo lo que tocaba en serena belleza) hicieron de él un artista agradable desde el principio.

San Jorge luchando contra el dragón, óleo sobre madera, de Rafael, 1503-1505, 29 x 25 cm (Museo del Louvre, París). Nombrado miembro de la Orden de la Jarretera en 1504 por Enrique VII de Inglaterra, Guido da Montefeltro, duque de Urbino, encargó a Rafael un cuadro de San Jorge como regalo para el rey. San Jorge es uno de los santos cristianos más populares y es el patrón de Inglaterra. También fue uno de los temas favoritos de los artistas del Renacimiento, que lo representaron matando al dragón. El cuadro representa el instante en que San Jorge acaba de atravesar al dragón con su lanza, que yace rota en el suelo, y procede a matarlo con un golpe de su espada; mientras tanto, la princesa aparece huyendo por la derecha. Debido al estilo todavía peruginesco de este cuadro, se ha considerado como una de las primeras obras de Rafael.

alba madonna

Este célebre cuadro, cuyo origen y cliente se desconocen, toma su nombre de Fernando III, Gran Duque de Toscana (1769-1824), que autorizó su compra entre el otoño de 1799 y el invierno de 1800, cuando llegó a Pitti. Nunca se movió de aquí, excepto durante el periodo de la dominación napoleónica, cuando Fernando se la llevó consigo en el exilio. La familia del Gran Duque tenía un cariño especial por el cuadro y, a la vuelta de la corte a Florencia, se expuso en las salas privadas del Palacio de Pitti, y el Gran Duque sólo permitía que se mostrara en público cuando se ausentaba de Florencia. En 1882 el cuadro ocupó su lugar donde lo vemos hoy, en la Sala de Saturno.

wikipedia

Poco después de la Virgen de Senigallia, Piero se puso a trabajar en el más grandioso de sus cuadros de esta época. Se trata del enorme retablo de la Virgen con el Niño y los Santos, hoy en la Pinacoteca de Brera en Milán. Probablemente pintado para la iglesia de los Osservanti de San Donato en Urbino, este panel fue trasladado, tras la muerte de Federico en 1482, a la iglesia de San Bernardino, el moderno mausoleo construido para el difunto duque. Federico da Montefeltro, que aparece arrodillado a los pies del trono de la Virgen, está representado con su armadura de guerrero, pero sin la insignia que le concedió el Papa Sixto IV en 1475.

La extraordinaria invención de Piero de un ábside arquitectónico del que se hace eco otro ábside, consistente en las figuras de los santos reunidos en torno a la Virgen, fue retomada una y otra vez por los artistas que trabajaron a finales del siglo XV y principios del XVI, especialmente en Venecia, a partir de las pinturas casi contemporáneas de Antonello da Messina y Giovanni Bellini. Esta composición organizada, típica de la obra de Piero, contenida en una unidad de espacio e iluminación, parece sin embargo tener un aire nuevo, como si el artista participara en las nuevas corrientes que se desarrollan en el arte italiano después de 1470. Las nuevas tendencias están dictadas principalmente por la gran popularidad que goza la pintura neerlandesa, especialmente en Urbino. Los aspectos más descriptivos y “miniaturistas” de la pintura neerlandesa tienen su eco en el retablo de Brera en la brillante armadura del duque, por ejemplo, y en la estilizada decoración de la alfombra. El arte neerlandés también era popular entre los mecenas de la época, como podemos ver en los anillos de las manos de Federico, que Piero mandó pintar a Pedro Berruguete, un español con formación norteña.