El postre: armonía en la interpretación del rojo

Hace dos semanas tuve la suerte de ver este cuadro en la exposición Icons of Art. La Colección Shchukin en la Fundación Louis Vuitton de París. Sergei Shchukin fue el más importante coleccionista ruso de arte occidental de principios del siglo XX. Coleccionó obras de los impresionistas, postimpresionistas, fauvistas, cubistas… todo el arte que hoy puede denominarse “moderno”. Su colección, junto con la de otro coleccionista de arte moderno, Ivan Morozov, forman el núcleo de las colecciones del Museo Estatal Pushkin de Bellas Artes de Moscú y del Museo Estatal del Hermitage de San Petersburgo.

Shchukin dijo una vez: “Si un cuadro te produce un shock psicológico, cómpralo. Es bueno”. Y el Matisse que me gustaría mostrarles hoy me impactó. Por desgracia, creo que la reproducción puede mostrar la profundidad del color y la fuerza de este cuadro bastante íntimo, pero vamos a intentar hablar un poco de él.

Matisse es una de las principales figuras del arte moderno. Junto con Pablo Picasso y Marcel Duchamp, contribuyó a definir los desarrollos revolucionarios de la pintura en las primeras décadas del siglo XX. Aunque en un principio se le calificó de fauvista, sus obras a partir de 1908 no deberían llamarse fauvistas. Los cuadros de los fauves se caracterizaban por una pincelada aparentemente salvaje y unos colores estridentes, mientras que su temática tenía un alto grado de simplificación y abstracción. Alrededor de 1908, Matisse empezó a seguir su propio camino: se decantó por una forma más decorativa de pensar en el color.

Música (matisse)

Primero fue el verde, luego el azul y después Matisse decidió que el rojo era el mejor color para el trabajo. Trabajaba a partir de la idea de Ferdinand Holder de ayudar a los no aficionados al arte a entenderlo mediante un “lenguaje pictórico poco sofisticado”.  El objetivo era hacer que su arte fuera emocionalmente accesible con colores brillantes y llamativos y con formas fluidas, en lugar de obligar a sus espectadores a pensar en cosas.

Sin embargo, en lugar de encender sentimientos como la pasión o la excitación, los colores creaban la necesidad de darse la vuelta y correr al baño más cercano. Todo lo que Matisse quería era crear emoción, pero su despliegue de colores vivos fue demasiado para el público del arte de 1908.

Aparte de los rojos y azules que revuelven el estómago, parte de lo que perturbaba a los espectadores de Armonía en rojo era el paisaje del fondo. Incluso hoy en día, nadie sabe si se trata de una ventana o de un paisaje. Esto alimenta la energía ansiosa de la obra, especialmente porque significa que no sabemos si la pobre mujer que pone la mesa está atrapada o si tiene una vista agradable. Matisse era un hombre reservado que tenía tendencia a alejar a los demás y a mantener a su mujer encerrada en su casa. No sería demasiado descabellado decir que el paisaje podría ser el grito de la mujer por el aire libre.

Henri matisseartista francés

Ampliamente considerado como el mayor colorista y, junto con Picasso, como uno de los artistas que mejor contribuyeron a definir e influir en el arte contemporáneo radical del siglo XX, Henri-Emile-Benoit Matisse fue conocido tanto por su excelente uso del color como por la forma de su estilo fauvista. Su dominio del lenguaje expresivo del color y el dibujo, desplegado en una obra que abarca más de medio siglo, le valió el reconocimiento como figura destacada del arte moderno.

El arte de Matisse sigue cautivando no sólo a los artistas, sino también a los coleccionistas y, como sugieren varias exposiciones recientes y de próximo éxito, sigue siendo uno de los favoritos del público en todo el mundo. Ver la colección del artista

Acerca de El gato con los peces rojos (Chat Aux Poissons Rouges) Henri Matisse ” El gato con los peces rojos” de Henri Matisse es un cuadro popular de su famosa colección En este cuadro se ve que Matisse tenía un amor excepcional por los gatos (y también por las palomas). Sus gatos se llamaban Minouche, Coussi y La Puce, el gato negro. Se dice que Coussi tenía una “M” de Matisse en la frente.     Su avance como artista se produjo durante los veranos de 1904 y 1905, cuando la brillante luz del sol del sur de Francia le inspiró, junto con artistas como André Derain y Maurice de Vlaminck, a crear obras ópticamente dinámicas de colores brillantes y chocantes que llevaron a estos artistas a ser ridiculizados con el epíteto de fauves. Conocido como fauvismo, el trabajo de este periodo le llevó a una trayectoria que él mismo describió como “construcción por superficies de color”. Este enfoque siguió siendo fundamental en las distintas etapas de la obra de Matisse, desde sus rigurosas pinturas abstractas de la década de 1910 hasta los interiores decorativos e iluminados por el sol de su llamado “periodo de Niza” de la década de 1920, pasando por los recortes radicalmente innovadores de su última década.

Salón rojo monet

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