Cristo en la cruz (zurbarán) del momento

el cuadro de la crucifixión de rembrandt

El arte católico español del siglo XVII tiene un lenguaje visual distinto, que refleja las tradiciones de la teoría y la práctica religiosas en esa época y lugar concretos. Mientras el protestantismo hacía cumplir el mandamiento bíblico que prohibía la creación de “imágenes esculpidas”, la Iglesia católica defendía y promovía su uso del arte para inspirar la piedad y fortalecer la fe.  Francisco de Zurbarán, uno de los autores más influyentes del arte de la Contrarreforma en España, dominó un estilo pictórico emotivo y psicológico, especialmente poderoso en las imágenes de figuras individuales, como esta Crucifixión, pintada en 1627. Lejos de ser sacrílegas, estas pinturas estaban destinadas a ser utilizadas como una ayuda contemplativa, casi para ser miradas a través de ellas más que para ser adoradas como un objeto en sí mismo. El enfoque artístico se centra en la inspiración espiritual más que en la doctrina instructiva, y en el fondo es un mensaje sobre el encuentro individual con Dios; el objetivo máximo de la experiencia sensorial y meditativa del ritual católico español. Además de ser un artista de la corte, Zurbarán realizó muchos encargos para los monasterios, que se multiplicaban, lo que le valió el apodo de “pintor de monjes”. Este cuadro fue realizado para los dominicos, la orden medieval cuyas cofradías se dedicaban a la vida de predicación, ascetismo y soledad.

la rendición de breda

Cristo en la Cruz es un cuadro de Francisco de Zurbarán. Con esta obra estableció su nombre en Sevilla en 1627. Es la obra más antigua fechada de su mano. Desde 1954, el cuadro se expone en el Instituto de Arte de Chicago.

en la ciudad: San Pablo el Real. El 17 de enero de 1626, Zurbarán, que entonces aún vivía en la localidad extremeña de Llerena, recibió el encargo de realizar 21 cuadros para el monasterio. Aunque es poco probable que el pintor entregara realmente la serie completa, es seguro que pintó un lienzo de Cristo en la cruz para el monasterio poco tiempo después al margen del encargo. Según una fuente de 1629, esta obra ocupó un lugar en el oratorio de la sacristía. La obra ya era muy admirada en aquella época. Zurbarán incluso le debía una invitación para instalarse en Sevilla.

Durante la Contrarreforma, las representaciones de la crucifixión con muchos espectadores, muy extendidas en la Edad Media y el Renacimiento, se hicieron más raras. En su lugar, se crearon pinturas que mostraban sólo a Cristo en la cruz. Nada debía desviar la atención del acontecimiento central de la Pasión de Jesús. Además, el artista debía tratar de representar la crucifixión con la mayor fidelidad posible. Incluso el número de clavos con los que Jesús había sido clavado en la cruz jugaba un papel importante. Zurbarán optó por cuatro clavos en este caso, al igual que muchos contemporáneos, como Velázquez. Su Cristo en la cruz surgió en la misma época, pero carece de la excepcional expresividad de la obra de Zurbarán.

hércules y cerbero

Este cuadro monumental, firmado y fechado al pie de la cruz, representa a Cristo en la Cruz con la Virgen, María Magdalena y San Juan Evangelista. Es una obra maestra tardía de Zurbarán, pintada en Sevilla hacia el final de su carrera. El cuadro es un ejemplo excepcional del estilo tardío del artista, el único tratamiento conocido de la crucifixión del maestro que incluye las figuras de la Virgen, María Magdalena y San Juan al pie de la Cruz.

En la actualidad se conocen otros once tratamientos de La Crucifixión de Zurbarán, que van desde su pintura de 1627 en el Art Institute de Chicago hasta el célebre Artista ante Cristo en la Cruz, fechable hacia 1655-60, en el Prado de Madrid.